Nombreux sont ceux pour qui l’île canarienne de Tenerife est synonyme de «Sea, Sun and Farniente». C’est méconnaître le nord de l’ile. Le Teide, le volcan qui culmine au centre de Tenerife à 3.718 m, soit le pic le plus élevé d’Espagne, est venu opportunément couper l’île de 2.000 km2 en deux. Le sud, avec son soleil permanent et ses plages de sable concentre les usines à touristes. Le nord a été doté d’un climat plus tempéré, de montagnes volcaniques, de vignes et de bananeraies qui dévalent les collines, de falaises noires qui tombent à pic dans la mer, et, de villes magnifiques à l’architecture bien préservée, fondées par les conquistadors. Ainsi San Cristobal de Laguna (dite La Laguna,ci-dessus) dont l’architecture a servi fréquemment de modèle en Amérique latine. La conquête des Canaries a commencé par celle de l’île de Lanzarote au début du XIVe s. Mais ce n’est pas avant 1495 que les conquistadors ont, au nom des Rois catholiques, conquis Tenerife, où vivaient des Guanches. Ce peuple, sans doute d’origine berbère, se serait établi aux Canaries vers le VIe s. av. J.C. à Tenerife, les Guanches ont opposé une résistance farouche aux assauts sanglants menée par Alonso Fernández de Lugo et son millier de soldats. Tenerife sera la dernière île des Canaries conquise. Continuer la lecture
Pour un homme honnête de 2023 qui commence à caler passé le deuxième œuf dur mayonnaise, le visionnage de « La grande bouffe » s’apparente à une petite épreuve. Voici cinquante ans, le film de Marco Ferreri était présenté à Cannes et il n’est rien de dire que la projection avait soulevé le cœur des critiques les mieux disposés. D’ordinaire les nutritionnistes conseillent d’attendre sagement le signal de satiété adressé par l’estomac au cerveau, avant de replonger la cuillère dans un plat de choucroute. Pour « La grande bouffe »‘ le signal arrive assez vite (par empathie) et pourtant il faut bien tenir deux heures, quand d’aventure l’on ressort le disque de la vidéothèque. C’est rappelons-le, l’histoire de quatre amis qui décident de ripailler jusqu’à ce que mort s’ensuive et d’ailleurs, pour en revenir aux œufs, le personnage interprété par Ugo Tognazzi fait remarquer vers la fin que chez les juifs, l’œuf est l’un des symboles entourant le trépas. Rien n’était en tout cas fait pour plaire dans ce film mêlant les orgies de nourriture, des scènes de sexe et des séquences scatologiques. 
Les amateurs de chemins de crête le savent, c’est le retour qui est pénible. Au propre comme au figuré, tout paraît alors plus bas. Il se trouve que la position sommitale est l’un des effets bénéfiques du « Fou d’Elsa », recueil de poésie paru voilà 60 ans cette année. Louis Aragon, grand ordonnateur du temps, de la chevalerie et de l’amour, n’y quitte pratiquement jamais la haute altitude. Ce livre est un espace vivifiant où il fait bon se perdre. L’auteur y mélange les genres avec une maîtrise étonnante, une permissivité, une absence de complexes qui ne cessent d’étonner. L’on passe ainsi de la prise de Grenade par les catholiques à la toute fin du 15e siècle, à son amour éternel pour Elsa. Et comme toujours chez Louis Aragon (1897-1982), le parcours est semé de pépites poussées çà et là par une prosodie souvent exceptionnelle. Voilà qu’il écrit: « Les mots que l’on dit sur les lèvres meurent/Le sens qu’ils portaient s’éteint lentement/ Il faut accepter que rien n’en demeure/Les baisers sont seuls partis les amants. » Ou encore: « Te voilà ma jacinthe entre mes bras captive/Qui bouge doucement dans le lit quand j’arrive. » 
Il faut avouer que dans nos démocraties républicaines on ne sait plus trop de quelle façon se comporter en présence d’un roi. L’une des qualités du film de Maïwenn est de nous rappeler certains codes si d’aventure nous avions à connaître un changement de régime à l’envers. Et l’un des trucs que doit apprendre Jeanne du Barry est qu’il ne faut jamais tourner le dos au roi, en l’occurrence à Louis XV. Il faut partir à reculons dans une sorte de numéro de claquettes assez ridicule. Femme libre, elle obtiendra du roi la permission de manœuvrer devant lui normalement. Johnny Depp interprète avec justesse Louis XV et le fait en français. En plus d’être la réalisatrice, Maïwenn est une Jeanne du Barry pas vraiment ressemblante avec les portraits que l’on a conservés de la vraie, mais elle impose sans conteste un jeu enlevé, puissant et finalement convaincant. Elle y est la femme ambitieuse qui se sort progressivement de l’ornière de la roture pour emporter le trophée suprême en la personne du roi. Concupiscente, gourmande, pleine de santé, insolente, irrévérencieuse, amoureuse enfin, elle devient sa favorite malgré les sifflements vipérins des alentours. 
Comment ne pas aimer Brahms lors du concert de samedi dernier 12 mai à 16 h à la salle Cortot ? Comment ne pas l’aimer dans cette salle Art déco à la fois intimiste et verticale de 400 places, toute de courbes et bois blond doré, pleine à craquer cette après-midi là ? Comment ne pas l’aimer de nous faire passer un moment hors du temps, comme sa grande musique chambriste nous en offre ? Comment ne pas l’aimer alors que l’Orchestre de chambre de Paris (OCP) avait choisi en vedettes deux pointures du violoncelle et du violon, les Tetzlaff, la sœur Tanja et le frère Christian, silhouette familière des scènes musicales avec sa queue de cheval ? Comment ne pas l’aimer sous l’archet de ces deux musiciens allemands exceptionnels ? Le duo ayant fondé le Quatuor Tetzlaff dès 1994, lui s’attachant à révéler des chefs-d’œuvre oubliés dans toute l’Europe et jusqu’à Séoul cette saison, elle sillonnant l’Allemagne, tout juste revenus d’une tournée à deux aux États-Unis. 
“Le tango a ses origines en Amérique latine, et il restera à jamais lié à l’aura de Buenos Aires et des villes côtières du Rio de La Plata… Mais l’esprit du tango se retrouve dans d’innombrables musiques qui dépassent de loin ses sources. On le retrouve par exemple dans certaines rythmiques africaines, dans les habañeras du siècle dernier, la musique romantique, l’opéra, la musique de cabaret, dans le music-hall… Le tango est en fait une forme musicale transversale, il participe de la culture universelle : un rythme implacable et violent, qui parfois semble hésiter, laissant transparaître une extrême douceur… La nostalgie peut-être, la sensualité certainement”, ainsi Fabrice Ravel-Chapuis et Jacques Trupin, les fondateurs du groupe Artango, tentaient-ils de définir cette musique qu’ils prirent tant de plaisir à composer, nous offrant des spectacles inoubliables. On se souvient également de Mortadela, la jubilatoire revue d’Alfredo Arias dans laquelle le metteur en scène franco-argentin convoquait les souvenirs de son Argentine natale. Aujourd’hui, ce sont deux autres exilés Argentins, le comédien-metteur en scène Marcial di Fonzo Bo et l’écrivain-scénariste-réalisateur Santiago Amigorena, qui, avec “Tango y Tango”, revisitent la mémoire de leur pays. Un spectacle beau et mélancolique où se mêlent présent et passé, chant, danse, théâtre et vidéo sur une musique de Philippe Cohen Solal, cofondateur du groupe d’electrotango Gotan Project. 
Selon le bon sens populaire, un homme libre manifeste cette qualité par l’expression de sa pensée. Archétype de l’homme libre, dans notre tradition philosophique: Voltaire. La femme libre, elle, se caractérise par une activité amoureuse intense et multiforme. Exemples: George Sand, Sarah Bernhardt. Ainsi, dans l’espèce humaine, le siège de la liberté semble faire l’objet d’une différenciation déterminée par le genre. Aux uns, elle vise les neurones, aux unes, l’activité hormonale. Ce qui, soit dit en passant, fait peu de cas des nombreuses femmes s’étant illustrées par leur indépendance d’esprit, d’Émilie du Châtelet à Élisabeth Badinter. Colette était-elle une femme libre ? Assurément oui, au vu de son dossier. Gabrielle Colette est née le 28 janvier 1873, de Jules Colette, ancien militaire, et d’Adèle Sidonie Landoy, son épouse. Adolescente, elle se jette au cou d’Henry Gauthier-Willard, dit Willy, vieux polisson expert en fantaisies lascives. Sous sa férule, elle rédige la série des Claudine. 
Pour ce qui était de la lumière et du traitement de la lumière, Albert Marquet était on peut le dire (avec quelques pairs) une sorte de savant, soit bien davantage qu’un spécialiste. Quand il a peint une vue de Dieppe dont on voit ci-contre un détail, il y a ce vert de l’eau qui s’oppose aux couleurs orangées du ciel, avec le gris des habitations comme révélateur. Il l’a peinte en surplomb comme à peu près toutes ses œuvres paysagères. Sa femme Marcelle (dont il a exécuté un jour un portrait valant au moins trois Jocondes) disait de lui en 1955 qu’une partie de son travail consistait à « supprimer certains détails », à simplifier: « il ne gardait que quelques lignes, et l’on s’apercevait après-coup, qu’il avait su choisir celles qui suffisaient à exprimer à la fois son objet et sa propre émotion. » Albert Marquet (1875-1947) fait actuellement l’objet d’une exposition au Musée d’art moderne André Malraux au Havre (MuMa), notamment -et c’est logique- pour les peintures qu’il réalisa en Normandie au début du 20e siècle. On compte aussi une belle vue de Paris sous la neige, dès l’entrée, mais c’est juste pour nous souffler au passage qu’il s’agit d’un don récent. Le MuMa a bien raison de s’en vanter, ce n’est pas tous les jours que l’on fait entrer un Marquet dans ses collections permanentes. 
Steve McQueen ne lisait pas les scénarios. Il ne lisait que des magazines automobiles. « Il pouvait vous parler de la cylindrée d’un moteur, du démontage d’un carburateur de moto ou discuter armes jusque vous n’en puissiez plus », mais, pour ce qui était de la lecture d’un scénario, c’était sa femme Niele McQueen qui s’en chargeait. Cet aspect de l’icône du cinéma américain est mentionné dans le livre que vient de sortir Quentin Tarantino (« Pulp Fiction », « Kill Bill » etc.) sur le cinéma. Le réalisateur explique d’emblée pourquoi « Bullit » tourné par Peter Yates et sorti en 1968, est selon lui un monument du cinéma américain. Et comment McQueen « est » le lieutenant de police Bullit, dont le nom donne le titre au film. Comment il a hésité à incarner un flic alors qu’il était dans le privé, en pleine période flower power, en pleine mouvance hippie jusqu’à porter des colliers de perles. Alors que son Bullit est d’une sobriété extraordinaire, imprimant tout le film aux côtés de personnages comme le « détestable » Robert Vaughn interprétant le sénateur Walter Chalmers. Ce film est une réussite sous tension permanente, notamment appuyée par l’impeccable bande-son signée Lalo Schifrin . Mais ce qui compte ici, ce qui réactualise en quelque sorte « Bullit », c’est l’analyse admirative de Tarantino. 
Découvrir ce texte sous la plume d’Emil Cioran est forcément déroutant pour qui fréquente un tant soit peu le philosophe roumain dont on connait le goût pour le nihilisme (un critique le qualifiait «d’idolâtre du doute»). Il s’y révèle cette fois un amoureux éperdu, avec tout ce que cela comporte de véhémence et de passion. Sous le titre «Elle n’était pas d’ici…» Cioran évoque, sans la nommer, une figure féminine qu’il n’a cependant rencontrée que deux fois. «L’extraordinaire ne se mesure pas en termes de temps. Je fus conquis d’emblée par son air d’absence et de dépaysement, ses chuchotements, ses gestes mal assurés, ses regards qui n’adhéraient ni aux êtres ni aux choses, son allure de spectre admirable.» Le philosophe avoue sans détours qu’à l’instant même où il la vit, il devint «amoureux de sa timidité, une timidité unique, inoubliable qui lui prêtait l’apparence d’une vestale épuisée au service d’un dieu clandestin ou alors d’une mystique ravagée par la nostalgie ou l’abus de l’extase». Il n’en faut pas plus pour que s’impose l’idée du coup de foudre, ou d’une révélation quasiment baudelairienne ( «Un éclair… puis la nuit ! –Fugitive beauté / Dont le regard m’a fait soudainement renaître ! ».) Ce texte de Cioran, repris sans autre précision dans «Exercices d’admiration» (Gallimard) fut d’abord publié dans une revue littéraire franco-uruguayenne créée peu avant les années 1950 et animée par la poétesse, traductrice et mécène Susana Soca. Archives
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