Picasso avait fait d’elle un portrait assez magistral. Tellement réussi d’ailleurs qu’il a été classé en 2007 « trésor national » par un avis de la bien nommée Commission consultative des trésors nationaux, empêchant de fait toute sortie du territoire tricolore. Le peintre lui devait bien ça. Berthe Weill (1865-1951), a été la première à l’exposer dans sa galerie en 1902, à travers trois expositions collectives. Bien que précurseuse majeure, en repérant les premiers fauves puis les futurs cubistes, Berthe Weill n’a jamais eu le même retour de notoriété que ses « grands » confrères tels Paul Rosenberg ou D.H Kahnweiler. Il faut dire que que son flair était inversement proportionnel à sa bosse du commerce. Berthe Weill n’était pas une money-maker comme l’on dit avec élégance dans la finance, mais tout le monde a au moins reconnu qu’elle faisait preuve d’une empathie appréciée des artistes. Or, selon son unique biographe Marianne Le Morvan, les projecteurs de la notoriété bougent enfin sur leur axe. Trois expositions sur la galeriste figurent actuellement sur les agendas internationaux, à New York fin 2024, au Musée des Beaux-Arts de Montréal début 2025 et enfin à Paris sans que les dates soient encore fixées. Ce sera l’occasion pour Marianne Le Morvan de sortir une nouvelle biographie, plus riche que l’édition déjà bien garnie de 2011. Continuer la lecture
D’emblée le préfacier Olivier Barbarant se demande si ce voyage en Hollande effectué en 1963 par Elsa Triolet et Louis Aragon, n’avait pas pour objet d’en effacer un précédent. Celui qu’effectua un jour le poète avec son amante Nancy Cunard. Et même l’objectif de manifester sa volonté de remplacement de l’une par l’autre, surtout lorsqu’il écrit: « Je t’invente un pays qui ne soit que de nous. » Ce « Voyage de Hollande » par Aragon vient d’être réédité pour la quatrième fois chez Seghers. Le périple a eu lieu en 1963 et la première parution liée au séjour date de l’année suivante, alors que Elsa Triolet (1896-1970) et Louis Aragon (1897-1982) ont déjà l’essentiel de leur vie dans le rétroviseur. Cette œuvre méconnue est donc un ensemble à tiroirs mais quelque peu crépusculaire. « Avant cette nuit de nous » comme il l’écrit avec bravoure et une lucidité consternée, dans l’un des poèmes du recueil. 
Étymologiquement le mot congé s’est bâti sur la double idée de circuler et de la permission de le faire. Prendre congé, est devenu une façon d’aller avoir ailleurs, en saluant la compagnie. La promesse de retour est sous-entendue comme une politesse, nullement comme une obligation. Il y a des prises de congés définitives et d’autres qui sont valables seulement jusqu’au soir. C’est selon. Le besoin peut être en tout cas impérieux. Ainsi que l’écrivait Montaigne (1533-1592): « Il me semblait ne pouvoir faire plus grande faveur à mon esprit, que de le laisser en pleine oisiveté ».
Il y a peu de temps encore, elle présentait au Studio-Théâtre de la Comédie-Française “36 chandelles dans la maison de Molière”. Pour ceux qui n’auraient pas eu le bonheur d’assister au Singulis de Catherine Salviat, il est toujours possible de se plonger dans le livre dont a été tiré ce spectacle de souvenirs. Sous la forme d’une longue interview, répondant avec humour et acuité aux questions de son interlocuteur, la comédienne revient en huit courts chapitres sur ses 36 années passées au Français. Entre anecdotes et citations, elle évoque certains rôles, ses auteurs et metteurs en scène de prédilection, ses partenaires de théâtre et nous parle de cette chance qui semble ne l’avoir jamais quittée. “Méfiez-vous de vos rêves, ils se réalisent”, aime-t-elle à répéter. Et une autre de ses phrases préférées : “Confiance mais vigilance.” Sous ses airs sages et studieux, l’interprète du « Mystère de la charité » de Jeanne d’Arc montre un esprit espiègle et blagueur, toujours plein d’entrain. Ce petit livre très plaisant s’avère tout autant une leçon de théâtre que de vie. 
Les artistes, peintres et poètes, devinent parfois bien à l’avance ce que les scientifiques s’acharnent à prouver. Samedi dernier une fusée a emporté dans l’espace Euclid, un nouveau télescope dont la mission sera de détecter la matière noire et l’énergie sombre. Depuis un certain point dit de Lagrange, à 1,5 million de kilomètres de chez nous, la machine déterminera comment la noire pèse sur la gravité des corps et le rôle de l’autre (la sombre) dans l’accélération de l’expansion de l’univers. Et ce, depuis que ce dernier s’est échappé d’un récipient théoriquement aussi grand d’un dé à coudre. Ce double défi est non seulement aussi ambitieux que le projet de rétablissement du pacte républicain dans les banlieues, mais il nous interpelle sur ce noir invisible, ubiquiste, omniprésent au point d’être presque tout. Or, dans ses écrits publiés sur l’art, Henri Matisse (1869-1954) n’était pas loin de brûler la politesse à Euclid sans pour autant fournir de preuve expérimentale. Mais cet artiste n’en avait pas besoin pour énoncer qu’avant, quand il ne savait pas « quelle couleur mettre », il utilisait du noir. « Le noir, c’est une force », prophétisait-il ainsi avec ô combien de justesse. Ayant fait ce constat, Matisse n’aura plus peur de mettre du noir en « lest ». 
Les documentaires filmant des musiciens classiques peuvent se révéler (assez souvent) légèrement ennuyeux, sauf lorsqu’on est invité, très exceptionnellement et pour la première fois, à un concert privé chez Daniel Barenboïm à Berlin. Ce fut le cas samedi 24 juin sur France 4, grâce à la chaîne culturelle Culturebox. Comme il le précise en souriant à son intervieweuse, il est rare que l’illustre maestro accorde une interview, surtout chez lui. Mais la jeune femme aux yeux bleus et longs cheveux qui lui fait face n’est pas n’importe qui, puisqu’elle est la fille de son amie de toujours Martha Argerich : tous deux enfants prodiges à Buenos Aires, ils se cachaient sous le piano en espérant qu’on les oublierait. Le maître a fait une exception en 2020 parce qu’Annie Dutoit étant la fille du second mariage de Martha avec le chef d’orchestre Charles Dutoit, ils se sont connus toute leur vie et se tutoient. Il s’agit plus d’une conversation, comme il le souligne. 
Soignant son personnage, Sa Truculence Paul Bocuse (1926-2018) aimait à souligner, les difficultés de ses débuts : une scolarité rudimentaire, (bien qu’il précise «avoir ses deux bacs, le bac d’eau froide et le bac d’eau chaude»), une année de guerre ou il sera blessé, et il entre comme apprenti, en 1946, chez la Mère Brazier. Femme au caractère plutôt rude, chez qui il est employé à tout, y compris traire les vaches, sans congés ni vacances. Elle lui apprend la rigueur. Il en tirera cet aphorisme : «bien faire le travail ne prend pas plus de temps que de le faire mal». Il passe les années 1950 avec Fernand Point, à Vienne, qui sera son maître. Il y retrouve les frères Pierre et Jean Troigros. En 1958, il se met à son compte en reprenant le restaurant familial. Trois ans plus tard, il est reçu Meilleur Ouvrier de France. Rapidement détenteur des trois étoiles, il devient un symbole de la cuisine française ainsi qu’une célébrité internationale. Surnommé le Primat des gueules, il est intronisé Pape de la gastronomie, au cours d’une cérémonie parodique se clôturant, par un banquet. 
L’exposition de la BNF-Mitterrand, «Imprimer, l’Europe de Gutenberg», nous plonge au cœur d’une innovation qui a constitué une véritable révolution au XVe s. Près de six siècles plus tard, les applications pratiques de l’intelligence artificielle gagnant du terrain, on ne peut manquer de faire un parallèle entre ces deux inventions propres à ébranler nos pratiques et à soulever le même type d’enjeux économiques, techniques et politiques. Mais là n’est pas le sujet de l’exposition qui retrace de façon passionnante l’histoire du développement de l’imprimerie en Europe et les clés de son succès. Nul besoin d’être un amoureux des beaux-livres pour admirer les incunables (livres imprimés avant le 1er janvier 1501) richement illustrés présentés, issus des réserves de la BNF. Parmi eux, trois pièces d’exception marquent trois étapes majeures de l’imprimerie : le plus ancien bois gravé (vers 1400) occidental pour reproduire des images, le Bois Protat; le plus ancien ouvrage conservé au monde imprimé à partir de caractères typographiques métalliques; le Jikji (Corée, 1377 ; et la fameuse Bible de Gutenberg (vers 1455). 
Il aimait les automobiles mais se faisait conduire par un chauffeur. Il était passionné de photographie documentaire mais préférait pour ce faire, employer un opérateur. Et même en voyage d’affaires, Albert Kahn (1860-1940) ne perdait pas le fil de sa vocation d’explorateur distingué. Lorsqu’il embarqua à l’été 1909 pour l’Argentine sur le König Friedrich August, il fit le voyage en première classe. Installé en seconde, son opérateur put aisément photographier les migrants qui s’entassaient en troisième. « Si les Mexicains descendent des Aztèques et les Péruviens des Incas, les Argentins descendent des bateaux » remarquait finement Octavio Paz dans un poème dont l’extrait est affiché dans le cadre de la dernière exposition organisée par le musée Albert Kahn. L’homme qui donna son nom à l’un des plus beaux jardins d’Île-de-France, n’aimait pas se faire photographier. Mais le 26 septembre 1909, lors de la seconde étape brésilienne, cour de la Torre Malakoff, il entra dans le champ de vision de l’objectif. Et sur cet autochrome extraordinaire, en raison du temps de pose, figure en transparence (ci-dessus), la silhouette fantomatique d’Albert Kahn, trésor supposé involontaire de sa photothèque. 
“L’Écume des jours” (1947), “le plus poignant des romans d’amour contemporains” selon Raymond Queneau, est sans doute le récit le plus célèbre de Boris Vian (1920-1959). Passé inaperçu à sa sortie, son succès est venu plus tardivement et, bien tristement, après la mort même de son auteur. Il a fallu sa réédition dans les années 60 pour qu’il devienne le livre-culte que l’on sait, le classique que la majorité d’entre nous avons découvert, émerveillés, à l’adolescence et que les adolescents de ce siècle continuent d’apprécier. Ce roman contant l’amour merveilleux et tragique de deux jeunes gens, écrit par un auteur de tout juste 26 ans, semble empreint d’une jeunesse éternelle. Ses adaptations au cinéma (1) ne furent pourtant pas très heureuses, et l’opéra qu’en tira le compositeur Edison Denisov, en 1986, ne resta pas davantage dans les mémoires. Inadaptable, le chef-d’œuvre de Boris Vian ? La compagnie Les joues rouges nous prouve aujourd’hui que non. Et c’est sur la petite scène du Lucernaire que la joyeuse troupe nous entraîne dans l’univers fantasque et poétique de l’écrivain à la trompinette (2). Archives
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