« Once Upon a time in… Hollywood »: si Hollywood m’était conté

Dans le hall du Pathé de Boulogne-Billancourt, tout en haut de l’une des affiches du film, on peut lire : « Le 9ème film de Quentin Tarantino».  Étonnant, culotté, et très révélateur ! Qui a osé, avant lui, mettre en haut de l’affiche qu’il en est à son énième opus, comme si le monde entier retenait son souffle ? Il faut dire que Tarantino a déjà annoncé qu’il s’en tiendrait à dix films, la dizaine sacrée, comme cinéaste, définissant lui-même à l’avance le cœur même de son œuvre, et qui l’empêchera ensuite d’en réaliser d’autres ?
Il faut dire également que ses films constituent un univers bien particulier, qu’on aime ou qui vous révulse, et que ce petit dernier se présente comme un aboutissement de vingt-sept années passées à définir cet univers que l’on retrouve de film en film.
Je ne suis pas la plus grande fan de Tarantino, mais j’ai vu presque tous ses films, car j’aime bien être secouée par ce qu’il appelle sa « structure narrative non linéaire », cette façon de nous raconter une histoire en mélangeant les périodes et les intrigues. Il y a du Godard là-dedans, celui qui rompt le récit et nous donne à voir soudain tel tableau ou entendre telle musique, et d’ailleurs le natif du Tennessee (56 ans cette année) se réclame de lui comme d’autres maîtres tels Hitchcock, Kurosawa ou Leone. Sans oublier ce que l’on appelle son style pop, et ses musiques pop, soul, et rock d’époque venant ponctuer régulièrement des moments sans dialogue (nous voilà soudain dans celui-ci en plein Woodstock dont on célèbre le cinquantenaire).

Par contre je suis moins emballée par cette alternance de scènes calmes et de scènes hyperviolentes qui sont sa marque, et que je trouve lassante au bout d’un moment, comme dans ce dernier opus. Certes cette hyperviolence est stylisée, mais quel est son but ?
Dans « Once Upon a time in… Hollywood » il y a deux passages où l’un des héros se plaît à arroser des quidams au lance flamme avec une joie hystérique. Que vient faire ce plan où surplombant une poignée d’officiers nazis réunis autour d’une table examinant une carte, il se met à les griller avec son arme en hurlant quelque chose comme « Vous allez faire de l’excellente choucroute grillée vous sales nazis ! ». Du pur Tarantino, auteur de «Inglourious Basterds», situé dans la France occupée, loin d’être son meilleur film. De même une des séquences finales où ce héros arrose à nouveau au lance flamme une adversaire réfugiée dans sa piscine bien au-delà du temps nécessaire. On comprend que le cinéaste laisse, à ces instants, libre cours à un certain sadisme difficile à supporter.

Mais on retrouve aussi d’autres de ses obsessions dans ce film, à commencer par la nostalgie du Hollywood de la fin des années 60, ou plutôt des décennies précédentes, le Flower Power hippie signant la fin de la grande époque des studios. De ce point de vue, les deux héros sont remarquablement imaginés. Ils forment un duo, presque un couple : Rick Dalton est une ancienne gloire des feuilletons télévisés des années 50 spécialisé dans les rôles de cow-boy, et Cliff Booth est son cascadeur et sa doublure attitrée.
Effectivement, les feuilletons de ce genre avaient fleuri à Hollywood dans les années 50, tels « Gunsmoke », « Fury » ou « Rawhide » dans lequel s’illustra Clint Eastwood, qui se fit ensuite embaucher par Sergio Leone (un des maîtres de Tarantino) pour sa trilogie du dollar magnifiant le western. L’importance prise par la télévision signait une certaine décadence hollywoodienne, sans que l’on pressente encore l’arrivée du Nouvel Hollywood.

Nous sommes en 1969, peu avant Woodstock et le massacre de Sharon Tate par la secte droguée de Charles Manson (toujours en prison). Tarantino a confié le rôle de Rick, l’acteur déchu, à Leonardo DiCaprio, et celui de son fidèle second Cliff à Brad Pitt, pour la première fois réunis à l’écran en co-stars paraît-il. On peut compter sur eux pour aller très loin et servir au maximum l’esprit de dérision tarantinien.

Rick est pathétique : il manque de confiance en lui, ne sait comment passer du petit au grand écran, se désole, se réfugie dans l’alcool, pleure souvent, et plus le film se déroule, plus on l’affuble de perruques horribles, jusqu’à cette moustache qui lui donne l’air d’un parfait plouc. On se demande comment DiCaprio a pu accepter de s’enlaidir autant. Face a ce parfait has been, Brad Pitt est Mister Cool himself. Précisons qu’il partage sa roulotte avec son dogue, qu’il nourrit de façon dégoûtante. Mais les relations entre les deux hommes sont étonnamment chaleureuses et positives.

Visuellement, la passion du cinéaste pour cette époque est très présente, qu’il filme des lieux emblématiques comme des cinémas Art déco toujours sur pied ou le fameux restaurant Musso and Frank (toujours actuel) avec apparence rarissime de Al Pacino, ou qu’il fasse apparaître sans cesse des affiches de films donnant à l’ensemble une coloration kitsch et pop. Quant à ses deux héros déchus (l’un s’en désole et l’autre s’en fiche), on les voit souvent parcourir Hollywood Boulevard dans une longue Cadillac blanche. Aucun trucage, surtout.
Et comme à son habitude, il entremêle plusieurs histoires, le meurtre de Sharon Tate dans la maison des Polanski sur Cielo Drive servant en quelque sorte de fil d’Ariane tout du long. Mais grâce à une étonnante pirouette, rassurez-vous, vous n’en verrez rien. Tarantino ne craint pas de prendre ses distances avec l’Histoire tout en jouant avec elle, quitte à la détourner à la fin de façon culottée et touchante.
Rappelons-nous : le film s’appelle « Once Upon a time », « Il était une fois », et c’est ainsi que commencent les contes…
Rappelons-nous également : nous avons appris le 16 août dernier la mort de Peter Fonda, le héros de « Easy Rider », emblématique de la contre-culture, sorti en 1969, l’année où se situe de film de Quentin Tarantino. Peter Fonda en biker annonçait la naissance du New Hollywood.

Lise Bloch-Morhange